Programación Octubre 2020 | Arteando Online
El proceso de creación | 01/10/2020
Después de la extensa introducción que habéis leído, el tema de esta clase tratará de cómo elegir el tema dando unos ejemplos de proceso de trabajo. Os contaré de forma teórica y abocetando las ideas, una forma, en este caso, la mía, de enfrentarme al lienzo o tabla en blanco. Han sido 50 clases online donde hemos copiado “más o menos “ a autores conocidos y os confieso que han sido de mi gusto personal, y hemos pintado de fotos elegidas también por mi, casi todas de mi archivo de imágenes. También hemos dedicado un mes entero al tema del retrato, donde espero hayáis disfrutado y aprendido tanto como yo. El mundo del arte no va de temas, el día que entendáis que da igual lo que pintemos porque lo importante es lo que decimos y cómo lo decimos habremos entendido la esencia más pura de la definición de arte. Es la expresividad de la línea, la interacción del color, la composición y el encaje lo que hacen que el tema pase a un segundo o tercer plano. Cuanto menos te importa el tema más habrás alcanzado el mensaje que nos transmitió Kandinsky en su libro “de lo espiritual en el arte”.
Emile Carlsen | 08/10/2020
He descubierto por casualidad a este pintor impresionista/realista danés americano de finales del XIX. Igual que fue descubierta por casualidad su extensa obra, en un taller de Estados Unidos. Aunque fue un autor muy prolífico, con temas diversos, los que más me han gustado han sido sus bodegones y por eso creo que sirve para estudio e intentar copiarlo o interpretarlo en esta clase online. Tal como hemos hecho en las clases anteriores.
Con una gama de tonalidades muy cortas y una composición simple y atrevida, nos muestra una composición casi mística debido a la luz que parece emanar de los objetos que representa, lo he elegido porque me recuerda al gran pintor francés Chardin, con el que trabajaremos la próxima semana.
Emil Carlsen nació y creció en Copenhague, la capital Danesa, en el seno de una familia de artistas. Su madre era pintora y su primo, en cierto modo su referencia, llegó a ser director de la Real Academia Danesa de Arte.
Estudió arquitectura en la Real Academia de Copenhague durante cuatro años y posteriormente emigró a los Estados Unidos en 1872, estableciéndose en Chicago.
Fue un pintor perteneciente al movimiento del impresionismo estadounidense. Influenciado por Jean-Baptiste-Siméon Chardin, se dedicó a la enseñanza, dejando discípulos muy reconocidos. En España forma parte de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza.
Recibió el prestigioso premio Samuel T. Shaw Purchase de la Academia Nacional de Diseño
El 15 de octubre de 2020, a las 19:30 h se presenta en la Real Academia de las Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, el octavo capítulo de la edición «Lugares de Paz y Oración». este año tengo el honor y la responsabilidad de aportar mis tres obras que he elaborado para esta inestimable iniciativa, sobre el Monasterio de Santa María de Jesús de Sevilla. Debido a lo acotado del aforo, y para facilitar vuestra asistencia, retransmitimos el acto completo en directo.
Hoy para mi es un día muy especial, porque este artista tiene una serie de obras que sobrepasan el plano de lo material, produce en mi y quiénes lo ven, una especie de conexión con algo superior que da sentido a lo que para mí significa el arte. Al igual que Morandi, autor del que os he hablado muchas veces cuando hago hincapié en la repetición del tema buscando la esencia de las cosas y llegando a representar una simple botella de tal forma que no puedas explicarte cómo está pintada esa botella sin quedarte atónito. Morandi es un poco más difícil de copiar porque es tan sutil en las formas que es imposible captar lo que el captaba y poderlo imitar aunque sea a medias.
Jean-Siméon Chardin, fue considerado en vida como el mejor pintor francés de naturalezas muertas. A pesar de ello, nunca consiguió pasar a primera división pictórica. En esa época, los artistas de verdad eran los que pintaban temas importantes: históricos, religiosos y mitológicos; mientras que los que se dedicaban al paisaje, al bodegón y a la pintura de género eran considerados pintores de segunda, a medio camino entre la artesanía y el arte serio. Para colmo de males, Chardin ni siquiera pintaba cosas elegantes, sino objetos cotidianos y rústicos que podían encontrarse en cualquier cocina. Él era un hombre sencillo, que procedía de una familia tirando a humilde, y el lujo le interesaba más bien poco.
Este pequeño cuadro no puede ser más minimalista: un vaso de agua, una cafetera de barro, tres dientes de ajo y unas ramitas sobre una mesa. ¡Pero, caramba, cómo está pintado! Pintar un vaso de agua que realmente parezca un vaso de agua es dificilísimo, y éste está tan logrado que dan ganas de alargar la mano y bebérselo de un trago. ¿Y no os parece delicioso el detalle del borde mellado? A pesar de su sencillez, la composición está perfectamente equilibrada, con todos los elementos centrados y vistos de frente. La forma trapezoidal del vaso encaja visualmente con el trapecio invertido de la cafetera, y el mango horizontal de la cafetera con la parte superior del vaso, la que está entre la superficie del agua y el borde. La luz procede de la izquierda, haciendo destacar con fuerza el blanco de los tres dientes de ajo y creando brillos en el vidriado de la cafetera. Sencillez y armonía en estado puro.
Marcel Proust era un gran admirador de la pintura de Chardin. En un ensayo que escribió sobre él, decía: “Nous avions appris de Chardin qu’une poire est aussi vivante qu’une femme, qu’une poterie vulgaire est aussi belle qu’une pierre précieuse.” (Chardin nos ha enseñado que una pera puede estar tan viva como una mujer, y que una cazuela de cocina puede ser tan bella como una piedra preciosa.) Es cierto, Chardin nos enseña a apreciar la belleza de todos esos objetos modestos que nos acompañan en nuestro día a día, como un vaso de duralex lleno de agua del grifo.
El decía: «Utilizaremos los colores, pero pintamos con los sentimientos».
En la actualidad hay muchos pintores que trabajan el bodegón de una forma que comenzó a llamarse hacia la última mitad del siglo XX , NUEVA FIGURACIÓN . Aunque lo que vamos a conocer en esta clase es la obra de un pintor muy conocido, acuarelista de formación, y dónde con su técnicas mixtas ha llegado a alcanzar un estatus de personal visión del tema, sacándolo de su versión mundana para hacerlo contextualizar en un estilo expresionista abstracto figurativo, de gran riqueza pictórica.
Pintor navarro, que vive en Bilbao, su pintura está más cerca de la abstracción que de la figuración.
No podemos hacer una copia de una de sus obras, ya que utiliza todo tipo de materiales y técnicas. Pero si vamos a ver algunas de sus obras y a través de la observación de éstas, tomaremos de modelo una foto de un bodegón de clase visto desde arriba, para construir una composición diferente a la habitual y con esa percepción diferente que desvirtúa la realidad trataremos de utilizar el lenguaje de este pintor. Por supuesto no sabemos cómo trabaja pero la observación nos da un camino para interpretar de esa manera.
