Programación Noviembre 2020 | Arteando Online
Época azul de Picasso | 05/11/2020
Vamos a copiar un cuadro de la época azul de Picasso donde todos los colores son azules en diferentes tonalidades pero dentro de la misma gama, esto nos sirve además para dibujar la composición que es bastante interesante.
Azul Cantábrico | 12/11/2020
El tema del paisaje, quizás es uno de los géneros donde mejor podemos apreciar y nos es más fácil usar los tonos azules para representar la lejanía.
Los colores azules parecen más distantes y por eso se utilizan en el plano de la lejanía por su efecto óptico llamado perspectiva atmosférica.
En este caso vamos a trabajar una foto de una épica playa del Cantábrico.
El tema del bodegón de Morandi (uno de los mejores pintores el siglo XX) siempre ha sido de mi particular interés, no por su expresividad ni por su forma figurativa de pintarlos porque este no es el caso de este autor. Mi admiración por Morandi viene de muy lejos, cuando descubrí que pintaba constantemente los mismos objetos en un pequeño estudio en su casa donde vivía con sus dos hermanas. Un pintor fuera de los estereotipos de las modas que imperaban en su época, fue fiel a su forma de decir lo que quería, mirando constantemente los mismos objetos durante años sin llegar a pintarlos con pintura sino con alma. Es uno de los pintores que me sobrecogen con sus composiciones y su equilibrio desequilibrado.
Maestro también de la pintura metafísica, aborda sus objetos como bloques gráficos de color o de tono. Sus obras invitan a la contemplación y la quietud reflexiva ( lo experimente en el museo de Bolonia que alberga casi toda su obra). Tanto en sus naturalezas muertas como en sus paisajes, los elementos transcienden la figuración para formar parte de una composición gráfica y plástica. Son obras más compositoras que pictóricas, el color, la distribución y la pincelada están dispuestos en el espacio de manera profundamente equilibrada y meticulosa.
El es lento, y sus cuadros te invitan a contemplaros lentos. Sus composiciones se convierten en formas geométricas. Las grandes manchas de luz sugieren espacios silenciosos y lentos, estáticos.
Su interés radica en poner en segundo plano la representación figurativa en busca de transmitir algo más allá de su significado. Y esto lo hace sintonizar con sus compañeros italianos y sus pinturas metafísicas. Por eso transmiten una atmósfera mágica y onírica cercana al surrealismo, esto hace que la cosa ya no sea la cosa, sino que trasciende y nos da al espectador el reto de interpretarlo.
En la segunda mitad del XIX surgió en paris el movimiento impresionista, un estilo pictórico que obsesionó a sus autores en la búsqueda de colores con los que crear efectos de luz en sus obras. “El color es mi obsesión diaria, mi alegria y mi tormento “ de Monet. Los cuadros son la ventana a la historia de la humanidad a través de sus épocas más significativas. Todos comenzaron a trabajar a partir de las teorías de los colores y de los trabajos y estudios de Delacroix, que murió pocos años antes. Utilizar el color primario y puro, sin mezclar, en base a las composiciones de la rueda de color, donde están los principales tonos de color, las sombras ya no eran oscuras sino que eran dibujadas con colores complementarios de los tres principales.
Y esto aportaba profundidad en el cuadro, y por supuesto no utilizaban el color negro.
Monet pintaba los centros de los cuadros o donde quería llamar la atención de color rojo o cálidos y todos lo que lo rodeaban eran azules y verdes. Estos autores decidieron captar la vida cotidiana al aire libre y los sorprendentes cambios de luz.
Me parece interesante copiar un cuadro de Monet , aunque no nos salga con las mismas pinceladas pero seguro que será curioso y aprenderemos un montón.
